分镜会上最危险的句子是“先让模型出一些画面再说”。脚本里的“品牌突破边界”没有主体、动作、空间和结束状态，生成师只能把抽象词换成常见光效；剪辑拿到十几条漂亮镜头，却找不到信息递进。问题不在于模型不会拍，而在于脚本和生成之间缺少一层导演决策。
CineIR 可以理解为 Cinematic Intermediate Representation：它不是最终提示词，而是一份结构化的镜头中间层。它把台词、叙事意图和品牌判断翻译成镜头任务、情绪曲线、信息曲线、摄影机、声音节点、参考素材和验收条件。
一、先从脚本提取“可见动词”
把每句文案拆成主体、动词、对象、结果。“效率被重新定义”不可拍；“工程师把三台设备上的任务拖进一个界面，等待队列同时清空”可以拍。创意总监要做的第一轮重写，就是把抽象价值换成可见动作，同时保留品牌真正想表达的取舍。
每个beat只问三个问题：观众此刻知道什么、应该感到什么、下一镜头还欠什么。答案分别进入信息曲线、情绪曲线和悬念债务。没有新增信息的镜头，要么承担节奏，要么删除。
二、用五层时间结构管理广告片
从大到小采用 Film → Sequence → Scene → Beat → Shot。30秒广告也需要这套层级：Film 是整条承诺；Sequence 是问题、转折、证明、行动；Scene 是具体空间；Beat 是一次信息或情绪变化；Shot 才是摄影机记录。
这套分层能阻止“一句话一个镜头”的机械分镜。Blender Story Artist展示了故事板、场景与三维布局可以在同一流程中衔接；CineIR 的作用类似，但更强调在进入任何具体工具前先保存导演判断。
三、每个镜头写九个字段
- shot_id：稳定镜头编号。
- function：建立、证据、转折、情绪、过渡或CTA。
- subject_action：主体从起点到终点的单一动作链。
- scene_relation：人物、产品与空间的关系。
- camera：景别、角度、焦段语境和唯一主运镜。
- light_color：主光逻辑与色调目的。
- sound：台词、环境声、音乐拍点或静默。
- reference_roles：身份、场景、运镜、材质分别绑定什么素材。
- qc：必须出现、禁止变化、可接受差异。
字段越明确，越容易让不同模型和不同生成师复现。不要把“电影感”当字段；要写低机位、远处硬逆光、慢速横移和前景遮挡为何服务当前情绪。
四、先画三条曲线再画镜头
信息曲线决定卖点何时出现，情绪曲线决定压力和释放，尺度曲线决定全景、近景与特写的呼吸。三条曲线同时上扬，画面会一直用力；一直平坦，观众会觉得没有进展。建议在开场给一个明确冲突，中段给可验证证据，结尾才把产品与品牌承诺合拢。
更值得先问的是：整条片唯一不可替换的视觉钩子是什么？它可能是产品结构完成一次不可能的动作，也可能是同一空间在一个切点前后改变状态。选择一个核心极值，比平均分配十种风格更能留下记忆。
五、AIGC Planner只负责可生成性
CineIR完成后再进入AIGC Planner：判断每个镜头适合文生、首帧图生、首尾帧、多模态参考、实拍合成还是传统三维。复杂多人互动、精确产品功能和连续台词不该被强行交给同一种模式；无法稳定生成的镜头要拆短、换景别或回到实拍。
British Film Institute的电影资源提醒我们，工具变化不等于镜头语言失效。AI广告片制作仍要回答视点、节奏、空间和声音，只是把执行介质扩展了。
六、用Editor与Critic做双重验收
Editor Pass 检查镜头能否接剪：方向、动作、景别变化、声音桥和信息重复。Critic Pass 检查核心判断有没有被画面稀释：如果把产品换成同行，整条片是否仍然成立？若成立，说明镜头还停留在行业通用答案。
输出时保留 CineIR、提示词、参考素材、生成批次、批准镜头和淘汰原因。需要把这套中间层接入品牌项目，可查看 一度影像视频制作，先用三到五个关键beat完成预演，再扩展成片。
